Share
Es ist leicht zu glauben, dass eine gute Mischung nur eine Frage der Erhöhung der Fader ist, ein vernünftiges Gleichgewicht erreicht, einige Effekte hinzugefügt und fertiggestellt wird. Sicher, das funktioniert vielleicht für eine grobe Mischung, aber es gibt noch viel mehr, um eine großartige Mischung zu machen, die weit über das grundlegende Thema der Balance hinausgeht. Diese Dinge erfordern normalerweise etwas Erfahrung oder einen Mentor. Es ist zwar viel einfacher, wenn Sie zusehen und zuhören, während ein großartiger Mixer sein Ding macht, aber lassen Sie mich auf eine Reihe von immateriellen Gütern hinweisen, die für einen großartigen Mix von entscheidender Bedeutung sind. Bewusstsein ist immer der erste Schritt beim Lernen. Daher sollten Sie einige Punkte beachten, bevor Sie mit dem Umschalten der Fader beginnen.
Es ist wirklich leicht, sich nur mit dem Audioteil eines Ingenieurs zu beschäftigen, aber wenn Sie nicht ernsthaft darüber nachdenken, wie die Musik selbst zusammengesetzt wird (vorausgesetzt, Sie sind natürlich im Engineering), wird Ihr ultimatives Produkt wahrscheinlich nicht klingen großartig, egal wie gut du bist, um Tracks zu balancieren.
Ich bin mir sicher, dass jeder, der etwas Erfahrung hat, herausgefunden hat, dass das Arrangement normalerweise das # 1 Nicht-Audio-Problem in einem Mix ist. In diesen Tagen der unbegrenzten Anzahl von Tracks ist es allzu leicht, immer mehr musikalische Elemente zusammen mit Doppel- und Dreibettzimmer und Stapeln von allem, was Sie sich vorstellen können, zu stapeln. Sie können ganz einfach mit hundert Tracks aufhören, die Sie durchlaufen müssen, und dies macht es Ihnen unmöglich, das Ganze nach etwas mehr als einem Bündel dichten Audio-Goos klingen zu lassen. Ein guter Produzent bringt normalerweise einen gewissen Sinn für das Arrangement, indem er die Dinge auf den Punkt bringt, wo es vernünftig ist, aber manchmal ist der Produzent derjenige, der alles verlangt, außer der Küchenspüle. Und wenn der Songwriter keinen angeborenen Sinn für Arrangement hat (viele tun das zum Glück), haben Sie ein Durcheinander in Ihren Händen.
Deshalb ist es wichtig, dass der Mischingenieur einige Grundprinzipien der Musikarrangements kennt, denn ein großer Teil des Mischingenieurs ist es, zu wissen, wann Dinge stummgeschaltet werden sollen, und zu wissen, welche Elemente in einem bestimmten Teil des Songs Vorrang haben.
Eine gute Balance fängt eigentlich mit einer guten Anordnung an, daher ist es wichtig, die Anordnung zu verstehen, da so viel Mischen von Natur aus subtraktiv ist. Dies bedeutet, dass die Anordnung und damit die Balance durch den einfachen Vorgang des Stummschaltens oder Absenkens des Pegels eines Instruments geändert wird, dessen Part nicht gut zu einem anderen passt. Wenn die Instrumente ordnungsmäßig gut zusammenpassen und nicht miteinander kämpfen, wird Ihr Leben als Mixer einfach ungemein einfacher. Aber was genau bedeutet "sich bekämpfen"?
Fighting bedeutet, dass zwei Mix-Elemente gleichzeitig Aufmerksamkeit erfordern. Es kann sein, dass die Rhythmen kollidieren oder die Frequenzbereiche des Instruments gleich sind oder die allgemeinen Klänge zu ähnlich sind. Egal, Ihr Ohr weiß nicht, was Sie hören sollen, da jeder die Aufmerksamkeit verlangt, es wird also verwirrt. Wenn dein Ohr verwirrt ist, wird es auch müde, und wenn es müde wird, verliert es das gesamte Interesse. Sie haben gerade die Absicht der Mischung besiegt Aufmerksamkeit erregen, nicht verlieren.
Wie kommen Sie also um zwei Instrumente, die sich gegenseitig „bekämpfen“? Zuallererst ist ein gut geschriebenes Arrangement, das die Instrumente von Anfang an aus dem Weg geht. Die besten Autoren, Arrangeure und Produzenten haben ein angeborenes Gespür dafür, was in Bezug auf das Arrangement funktionieren wird, und das Ergebnis ist ein Arrangement, das sich ohne viel Hilfe automatisch zusammenfügt. Die Erfahrung wird einem Schriftsteller oder Arranger auch dabei helfen, schnell zu wissen, was zusammenarbeitet und was nicht.
Es ist jedoch nicht ungewöhnlich, mit einem Künstler oder einer Band zu arbeiten, die sich der Anordnung nicht sicher sind (sehr häufig), oder mit jedem Sound experimentieren wollen, den sie finden können, oder nur zulässt, dass ein Instrument während des gesamten Songs spielt, anstatt nur den beabsichtigten Abschnitt, wodurch zahlreiche Konflikte entstehen. Hier hat der Mixer die Möglichkeit, die Spur neu zu ordnen, indem er das, was funktioniert, hält und das widersprechende Instrument oder die Instrumente stummlegt oder senkt. Der Mixer kann nicht nur das Arrangement beeinflussen, sondern auch die Dynamik und die allgemeine Entwicklung des Songs.
Um zu verstehen, wie Arrangement das Gleichgewicht beeinflusst, müssen wir zuerst die Mechanik eines gut geschriebenen Arrangements verstehen.
Die meisten durchdachten Anordnungen sind auf die Anzahl der Elemente beschränkt, die gleichzeitig auftreten. Ein Element kann ein einzelnes Instrument wie eine Leadgitarre oder ein Gesang sein, oder es kann eine Gruppe von Instrumenten wie Bass und Schlagzeug sein, eine verdoppelte Gitarrenlinie, eine Gruppe von Hintergrundgesang usw.. Im Allgemeinen wird eine Gruppe von Instrumenten, die genau denselben Rhythmus spielen, als Element betrachtet. Beispiele: Eine doppelte Leadgitarre oder ein doppelter Gesang ist ein einzelnes Element, ebenso wie ein Hauptgesang mit zwei zusätzlichen Harmonien, die dieselbe Melodie singen. Wenn der Bass sehr eng mit dem Kick und der Snare spielt, kann dies auch ein einzelnes Element sein. Zwei Lead-Gitarren, die unterschiedliche Partien spielen, sind jedoch zwei Elemente. Eine Lead- und eine Rhythmusgitarre sind ebenfalls zwei separate Elemente. Was ist dann ein Element??
Es gibt 5 Elemente in jeder Anordnung.
Das größte Problem bei den meisten Arrangements, die nicht funktionieren, besteht darin, dass zu viele Elemente gleichzeitig passieren. Sie können nicht 4 Percussion-Elemente, 5 Gitarren-Elemente, 3 Keyboard-Elemente, eine Rhythmus-Sektion sowie Lead- und Background-Vocals haben und nicht körperlich müde werden, weil zu viel los ist!
Der Geist sehnt sich unbewusst nach Einfachheit und belohnt eine einfache Anordnung mit Aufmerksamkeit, was wir natürlich auch wollen. Aber was heißt Einfachheit??
Sie sollten niemals mehr als 4 Elemente gleichzeitig auftreten. Sie können ab und zu mit 5 davonkommen, aber 4 ist normalerweise der Höchstwert. "Aber in den meisten Dingen, die ich heutzutage höre, spielen normalerweise mehr als 4 Instrumente", sagen Sie? Ja, aber normalerweise spielen sie die gleichen Rollen. Wenn Sie zum Beispiel einen verdoppelten Gitarrenpart mit einem 3. Track spielen, der den gleichen Part eine Oktave darüber spielt, sind dies 3 Instrumente, die nur einen Part spielen, so dass nur ein Element zählt. Wenn eine Gitarre eine Basslinie verdoppelt, ist das nur ein Element. Wenn Sie eine Hauptstimme haben, die mit einer anderen Stimme eine Oktave darüber verdoppelt wurde, ist dies immer noch nur ein Element. Ein Sinfonieorchester hat vielleicht 120 Instrumente, aber wenn Sie es brechen, spielen alle nur eine begrenzte Anzahl von Elementen. Letztendlich läuft alles auf 4 der 5 oben genannten Elemente hinaus.
Hier einige Beispiele, wie die Arrangement-Elemente in verschiedenen Songs funktionieren. Wenn sie Ihnen bekannt vorkommen, liegt dies daran, dass ich einige dieser Beispiele im Handbuch des Mixing Engineer's verwendet habe. Sie sind jedoch eine gute Rezension, auch wenn Sie sie bereits gelesen haben.
In Bob Segers Funkstandard Nachtbewegungen, Die Instrumente sind Bass und Schlagzeug, Akustikgitarre, Klavier, Hammond-Orgel, Lead-Gesang und Hintergrundgesang. So brechen sie aus.
Normalerweise fällt eine Akustikgitarre in die Rhythm-Kategorie, da das Strumming die Band vorantreibt und Aufregung erzeugt. Im "Nachtbewegungen”Die akustische Gitarre wird jedoch im Mix nach und nach zurückgezogen, sodass sie sich in die Rhythmus-Sektion einfügt und so zum Bestandteil des Foundation-Elements wird. So kann der Mixer den Mix durch Balance beeinflussen, wenn er sich der Anordnung bewusst ist.
Alanis Morissette Danke enthält mehrere gute Beispiele für Rhythmus und Pads. Der Unterschied ist, dass es jeweils zwei Sätze gibt; eine für das Intro und den Refrain und eine andere Fassung für die Verse.
Natürlich ist in diesem Song so viel mehr los, aber alle zusätzlichen Tracks ersetzen oder verdoppeln die obigen Elemente. Die Anzahl der Elemente bleibt konstant.
Gnarls Barkley's Crazy ist ein sehr abgespeckter Song mit sehr wenigen Schichten, aber die vier Hauptelemente sind immer dabei.
Dieser Song ist insofern ungewöhnlich, als der Bass mit der verdoppelten Gitarrenlinie den Song tatsächlich vorschiebt und tatsächlich zum Rhythmus wird. Sehr ungewöhnlich, aber effektiv!
Rascal Flatts 'What Hurts The Most ist ein Beispiel für die "neue" Country-Musik, die der geschichteten Popmusik sehr ähnlich ist, mit Ausnahme traditioneller Country-Instrumente (Steel-Gitarre, Banjo, Geige)..
Dieser Song ist ungewöhnlich, weil er im Intro und Outro keine Signaturlinie oder Fill-Element hat und nur jeweils an einer Stelle ein True-Fill ist. Der Bass ist auch sehr laut gemischt und nimmt viel Platz in der Mischung ein.
Dieser Song ist anders, weil es kein echtes Pad im traditionellen Sinne gibt, aber die im Hintergrund leise spielende Steel-Gitarre wirkt gut und zeigt, dass nicht-traditionelle Instrumente diese Rolle spielen können.
Es gibt ein paar leicht zu merkende Regeln, die selbst das dichteste Arrangement immer handhabbar machen.
Wie bereits erwähnt, sollten nicht mehr als vier Elemente gleichzeitig spielen. Manchmal können drei Elemente sehr gut funktionieren. Sehr selten wirken fünf gleichzeitige Elemente. Dies ist Ihr Hauptaugenmerk als Mixer. Machen Sie den Produzenten und den Künstler darauf aufmerksam, wie viel besser der Mix mit weniger Elementen als mit mehr Elementen klingt.
Wenn nun jemand (wie der Künstler) mit einem Teil verheiratet ist, gibt es keine Menge an Betteln, Bitten oder Zeigen und Erzählen, dass dies seine Meinung ändern wird. Sie können also das Gleichgewicht der Instrumente, die sich dem Verstoß widersetzen, kontrollieren. Wenn zwei oder mehr Elemente kämpfen, können sie einfach nicht auf dem gleichen Level leben. Bereiten Sie sich also darauf vor, eines zu einem unterstützenden Charakter zu machen. Manchmal kann ein in der Mischung zurückgezogenes Element in ein anderes Element übergehen und es tatsächlich interessanter machen, jedoch nur, wenn der folgende Punkt beachtet wird.
Diese Regel ist so wichtig, dass sie hervorgehoben werden muss. Die Anordnung passt besser zusammen, wenn alle Instrumente in ihrem eigenen Frequenzbereich sitzen. Wenn beispielsweise ein Synthesizer und eine Rhythmusgitarre die Counter-Elemente in derselben Oktave spielen, kollidieren sie normalerweise. Die Lösung wäre, entweder den Klang eines der Instrumente so zu ändern, dass sie verschiedene Frequenzbereiche füllen, ein Spiel in einer anderen Oktave spielen oder sie zu unterschiedlichen Zeiten, aber nicht zusammen spielen lassen.
Wenn zwei Instrumente mit im Wesentlichen demselben Frequenzband gleichzeitig mit der gleichen Lautstärke spielen, ist das Ergebnis ein Kampf um Aufmerksamkeit. Denk darüber so; Normalerweise hört man nicht gleichzeitig einen Lead-Gesang und ein Gitarrensolo, oder? Das liegt daran, dass das menschliche Ohr nicht entscheiden kann, was es hören soll, und wird dadurch verwirrt und müde.
Gitarren kämpfen häufig darum, um gehört zu werden. Dies ist in der Regel der Fall, wenn ein Gitarrist Parts mit derselben Gitarre und demselben Amp stapelt, oder in einer Live-Situation, wenn zwei Gitarrenspieler die gleiche Art von Gitarre und Amp haben (zwei Les Pauls und zwei Marshalls mit den gleichen Pickup-Einstellungen) wäre zum Beispiel das Albtraum-Szenario).
Im Studio müssen Sie als erstes den Gitarristen davon überzeugen, dass es wirklich zu seinem Vorteil ist, einige dieser großartigen Parts mit einer anderen Gitarre oder einem anderen Verstärker oder einem anderen Lautsprecherschrank oder sogar mit allen oben genannten zu spielen. Dadurch werden alle Parts oder Stacks interessanter, ohne dass Sie einen EQ-Regler berühren müssen. Es ist leichter gesagt als getan, denn manchmal wird ein Gitarrist mit seinem (oder ihrem) Sound oder seiner Gitarre geheiratet und sich weigern, sich zu ändern (als Rasse sind wir Gitarrenspieler so). Nun ist es Zeit für den EQ zu erreichen. Übrigens zählt das Wechseln der Pedale in dieser Situation nicht, da sie normalerweise nur die Verstärkung erhöhen und die Frequenzbalance des Instruments möglicherweise nicht so stark verändern. Ein Modulationspedal kann funktionieren, wenn es das Klangspektrum des Instruments ändert.
In Bezug auf eine Band, die live bei einem Auftritt oder im Studio spielt, wenn die Gitarristen die gleichen Instrumente und Verstärker verwenden, ist es an der Zeit, ihnen den Grund zu erklären, warum die Tonregler auf Verstärker eingestellt wurden. In der Regel haben die meisten Musiker keine Ahnung, wie sie die Frequenzbereiche ihres Instruments anpassen. Es gibt drei allgemeine Gründe, den Verstärker-EQ zu verwenden:
1. Viele Instrumente (z. B. Bass und Gitarre) haben tote Punkte auf dem Instrument, an denen ein paar Noten sinken können. Etwas EQing kann helfen, die Dinge zu glätten, wenn Sie das Frequenzband der herausfallenden Noten auf Null bringen können.
2. Sie müssen einen Frequenzmangel im weiten Bereich ausgleichen. Dies könnte eine Situation bedeuten, in der eine Strat bei einem Marshall-Jubiläum möglicherweise nicht genügend Tiefpunkt hat, so dass Sie mit den Klangreglern einen Tiefpunkt hinzufügen, um dies auszugleichen. Auf der anderen Seite ist ein Les Paul durch denselben Verstärker möglicherweise zu Bodenlastig, so dass Sie etwas Tiefstes abziehen würden. Und dann hat derselbe Strat vielleicht nur einen Mittelbereich, der wie ein Eispickel durch das Trommelfell bestimmter Noten aussieht, also würden Sie den Mittelbereich etwas zurücknehmen und den Dorn aus den Ohren ziehen.
3. Und schließlich in unseren beiden Les Paul - zwei Marshall-Szenarien, bei denen zwei Spieler die gleichen Modellinstrumente und Verstärker verwenden. Um frequenzmäßig gut zusammen zu passen, passte ein Spieler seinen Ton an, um ein wenig mehr Tiefpunkt zu haben, und hob den unteren Mitteltonbereich aus, während der andere Spieler mit einem Midrange-Peak genau nach oben strebte, genau dort, wo der andere ihn schöpfte aus. Da haben Sie es - sofortige Mischung.
Natürlich ist es im wirklichen Leben noch nie so einfach. Die meisten Gitarrenspieler kommen mit ihrem Sound nie ins Nirvana und werden nie von etwas abweichen, mit dem sie sich wohl fühlen. Wenn sie jedoch erfahren, wie erfolgreich die Technik im Studio ist, sind sie danach normalerweise etwas experimentierfreudiger. Natürlich können Sie ihnen immer sagen, dass xxx (füllen Sie ihren Lieblingskünstler aus) so, weil er es wahrscheinlich tut.
Jeder Song hat etwas, das den Hauptinteressepunkt darstellt, oder etwas, das so überzeugend ist, dass Sie die Ohren nicht davon abnehmen können (wenn dies nicht der Fall ist, senden Sie das Lied zurück an das Zeichenbrett..
Obwohl die Kontrolle über das Erscheinungsbild der vorherigen fünf Elemente für viele Arten von Audiojobs ausreichend ist und für einen anständigen Mix gut geeignet ist, erfordert die meiste populäre Musik einen Mix, der den Song auf eine andere Ebene bringt. Obwohl es mit großartigen Tracks, soliden Arrangements und spektakulärem Spiel immer einfacher ist, kann eine großartige Mischung einfach OK-Tracks verwenden, um sie so in Hit-Material zu verwandeln, dass die Leute nicht genug davon bekommen. Es wurde für einige Ihrer Lieblings-Allzeit-Songs gemacht.
Wie können wir diesen Punkt erreichen??
Mehr als nur technisch korrekt zu sein, muss ein Mix so interessant sein wie ein guter Film. Es muss einen Höhepunkt erreichen und gleichzeitig Spannungspunkte und Entspannungspunkte aufweisen, um den Zuhörer unbewusst zu involvieren. So wie ein Film größer als das Leben aussieht, muss eine großartige Mischung größer sein als das wirkliche Leben. Die Leidenschaft und die Emotionen müssen sich auf einer Ebene befinden, auf der der Zuhörer angesaugt wird und zum Hören gezwungen wird.
Und wie das geht? Finden Sie das Element, das für das Lied am wichtigsten ist. In einigen Fällen (wie Dance- und Rap-Musik) ist der Groove das wichtigste Element. In anderen Genres (wie Country) ist es jedoch der Gesang. Bei Rock und Pop handelt es sich möglicherweise um eine Signatur oder einen Hook.
Obwohl das wichtigste Element oft der Lead-Gesang ist, muss dies nicht unbedingt der Fall sein. Es könnte ein Riff wie von The Stone's sein Befriedigung und Starten Sie mich hoch oder das Intro von Coldplay Uhren oder der Rhythmus in den Versen des Arctic Monkeys Ich wette, du siehst gut auf der Tanzfläche aus. Es ist immer ein Teil, der so fesselnd ist, dass es Sie zwingt, das Lied zu hören.
Was auch immer am wichtigsten ist, der Mixer muss es identifizieren und in der Mischung hervorheben, damit die Mischung über den Rahmen hinausgeht.
Accentsconagua