Verwenden von Umgebungstechniken für das Komponieren

"Bei modernen Aufnahmen ist eines der größten Probleme, dass Sie sich in einer Welt endloser Möglichkeiten befinden. Ich versuche also, die Möglichkeiten frühzeitig zu schließen. Ich schränke die Auswahl ein. Ich beschränke die Leute auf einen kleinen Bereich des Manövers Spieler produzieren immer interessantere Musik als Synthesizer-Player: Sie können die Optionen auf einer Gitarre in etwa einer Minute durchgehen und danach müssen Sie ästhetische und stilistische Entscheidungen treffen. Dieser Computer kann tausend Synthesizer mit jeweils tausend Klängen enthalten. Ich versuche, den Menschen Einschränkungen aufzuerlegen. "
- Brian Eno

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Einführung

Ich habe in letzter Zeit viel über Einschränkungen und Möglichkeiten beim Komponieren nachgedacht. Durch die Verwendung von Computern und Softwarepaketen wie Logic, Cubase, Sonar oder Reason sind unsere musikalischen Möglichkeiten nahezu unbegrenzt. Trotzdem sitze ich oft vor meiner Workstation und klicke durch hunderte von Synthie- oder Sampler-Presets, anstatt tatsächlich Musik zu schreiben.

Die großen umgebenden und minimalistischen Komponisten unserer Zeit verstehen die potenziellen Fallstricke unserer nahezu unbegrenzten Möglichkeiten. Ihre Lösung besteht darin, zu versuchen, mit weniger zu schaffen - eine vollständige musikalische Welt zu einem bestimmten Zeitpunkt zu schaffen, jedoch unter bestimmten Regeln oder Einschränkungen. Diese Regeln und Einschränkungen können von Komponist zu Komponist sehr unterschiedlich sein, aber zum Glück kann die Verwendung einer ihrer Techniken für fast jeden Musikstil hilfreich sein.

In diesem Lernprogramm werden einige einfache Techniken erläutert, die Sie beim Komponieren von Musik verwenden können - ob Ambient, Minimalist oder sogar Rock oder Pop. Jeder Künstler kann von dem Erlernen dieser Techniken profitieren und sie anwenden, um den Block des Schriftstellers zu überwinden, ihre Kreativität auf neue Weise herauszufordern oder einfach nur ihre verschiedenen Fähigkeiten zu verfeinern und zu üben.

Begrenzen Sie Ihre Auswahl

Wie Brian Eno in dem obigen Zitat bemerkt hat, kann die Einschränkung der Auswahl eine schnelle und einfache Möglichkeit sein, dem Komponieren eine neue Perspektive zu geben. Durch die Reduzierung der Möglichkeiten müssen Sie in einem kleineren Bereich denken. Wenn Sie sich auf wenige Möglichkeiten beschränken, müssen Sie alle unbewussten Entscheidungen prüfen, die Sie normalerweise beim Schreiben eines bestimmten Tracks treffen.

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Eine mächtige Möglichkeit, Grenzen festzulegen, besteht darin, Ihre Erstellungssoftware zu ändern. Für einige meiner neuen Songs verwende ich beispielsweise GarageBand - nicht, weil ich denke, dass es notwendigerweise das beste Werkzeug für den Job ist, sondern eher, weil es mir schon eine begrenzte Auswahl an Möglichkeiten zur Tonerzeugung und zur Verfügung stellt Manipulation ist betroffen. Während Logic meine primäre DAW ist, können die vielfältigen Funktionen und klanglichen Möglichkeiten manchmal eine Peinlichkeit des Reichtums darstellen. Die Verwendung von GarageBand erfordert, dass ich Entscheidungen über das Durchführen, Aufnehmen, Bearbeiten und Verarbeiten innerhalb einer anderen, kleineren Reihe von Möglichkeiten trifft.

Die Beschränkung unserer Software ist also ein Mittel, um unsere Entscheidungen einzuschränken. Hier sind ein paar andere Möglichkeiten, wie wir unsere Entscheidungen einschränken können, die letztendlich unseren kompositorischen Zielen dienen können.

Begrenzen Sie die Softwareauswahl - Verwenden Sie eine einfachere DAW, verwenden Sie nur MIDI, verwenden Sie nur Audio oder erstellen Sie ein ganzes Stück mit nur einem Softsynth.
Nachbearbeitung begrenzen - Verwenden Sie keinerlei Komprimierungs-, EQ- oder andere Mastering-Techniken, um Ihren Song zu finalisieren. Lassen Sie den Mix beim Komponieren großartig klingen und belassen Sie es dabei.
Begrenzen Sie harmonischen und melodischen Inhalt - Beschränken Sie Ihr Lied auf wenige Akkorde oder ein paar einfache melodische Phrasen. Denken Sie daran, dass Sie die Musik für den Hörer immer noch einnehmend halten müssen!
Begrenzen Sie den rhythmischen Inhalt - Versuchen Sie, eine Melodie ohne erkennbares Tempo oder Tempo zu erstellen. Oder versuchen Sie, eine neue Taktart wie 7/8 oder 5/4 zu erstellen.
Formular beschränken - Versuchen Sie, mit einer einfacheren oder komplexeren Musikform zu arbeiten - etwas anderes als Ihre übliche ABBA-Songform usw.

Wenn Sie anfangen, mit solchen Techniken zu experimentieren, werden Sie feststellen, dass viele von ihnen unangenehm sind und sich einfach nicht für Ihren Kompositionsstil "richtig" fühlen. Das ist eine gute Sache! Dieses Unbehagen bedeutet, dass Sie anfangen, musikalische Muskeln zu entwickeln, die Sie zuvor noch nicht verwendet haben. Wenn wir faul waren und eine Zeit lang nicht trainiert wurden, neigen unsere Muskeln und Gelenke dazu, Widerstand zu leisten (oder zu protestieren), wenn wir uns letztendlich dazu entschließen, einen Lauf zu machen. Unsere musikalische Fitness beschränkt sich nur auf die Muskeln, die wir verwenden oder nicht verwenden - also trainieren Sie mit allen Ihren Fähigkeiten. Ich garantiere Ihnen, dass Sie von den Ergebnissen überrascht werden.

Gehen Sie organisch

Mit der Leichtigkeit und Kraft unserer DAWs, Softsynths und Sampler stecken viele von uns im Land der Synthetik. Ein kraftvoller Weg, unseren musikalischen Kompositionen neues Leben einzuhauchen, ist die Forderung, dass wir organisch gehen und mehr (oder ausschließlich) organische Klänge verwenden.

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Das Einbeziehen organischer Sounds kann viele verschiedene Dinge bedeuten. Sehen wir uns also einige Möglichkeiten an.

Ersetzen Sie Synth-Tracks durch akustische Tracks - Ersetzen Sie eine oder mehrere Ihrer vorhandenen Spuren durch akustische Wiedergaben derselben. Wo es einst einen monophonen Lead-Synth gegeben hätte, verwenden Sie stattdessen eine Klarinette oder Flöte oder Gesang. Sobald Sie es aufgenommen haben, können Sie es nachbearbeiten, um es neu zu formen und an Ihre Spur anzupassen.
Gefundene Sounds verwenden - Wir haben bereits einige Tutorials (wie dieses) gesehen, in denen beschrieben wird, wie Feldaufnahmen oder gefundene Sounds Ihnen helfen können, eine einzigartige und einzigartige Palette für Ihre Musik zu erstellen. Nehmen Sie sich etwas Zeit, um Sounds von zu Hause, Ihrer Nachbarschaft oder Ihrer Stadt aufzunehmen - und suchen Sie nach neuen Wegen, um diese Sounds in Ihre Musik zu integrieren.
Organisch als Wellenform - Für die fortgeschritteneren Sampler-Geeks gibt es vielleicht einige organische Sounds, die dann in kleinere Wellenformblöcke umgewandelt werden können - sogar so klein wie ein einzelner Zyklus. Von dort können Sie diese Wellenformen in Ihren Sampler Ihrer Wahl laden und neue Instrumente erstellen.
Alles einsteigen - Wann haben Sie das letzte Mal einfach angefangen, Geräusche in Ihrer Umgebung zu machen und aufzunehmen? Stellen Sie ein Mikrofon in der Mitte Ihres Raums auf, setzen Sie Kopfhörer auf und beginnen Sie mit der Aufnahme. Beginnen Sie dann mit dem "Spielen" Ihres Zimmers. Wenn Sie zu einer logischen Schlussfolgerung kommen, stoppen Sie die Aufnahme, aktivieren Sie einen neuen Titel und wiederholen Sie den Vorgang. Sie können damit beginnen, auf diese Weise einige wirklich einzigartige Soundscapes zu erstellen, die zu neuen Samplesets, neuen Rhythmus-Tracks oder mit einigen intelligenten Nachbearbeitungs-, Ambient-Pads oder Betten führen können.
Verwenden Sie eine Pflasterhilfe - Passen Sie eine Ihrer vollelektronischen Spuren in eine rein akustische Spur an. Laden Sie einige Ihrer musikalisch begabten Freunde ein, kaufen Sie sie zu Mittag und Bier und verbringen Sie den Tag damit, Ihre Melodie ausschließlich auf akustischen Instrumenten aufzunehmen und zu arrangieren. Dies kann ein erstaunlich unterhaltsamer und befreiender Prozess für den Musiker sein, der normalerweise alleine, in einem kleinen Raum und nur mit Elektronik arbeitet. Wie ich.

Mit Kontrast spielen

Manchmal können Musiker durch ihre eigene Ausdruckskraft eingeschüchtert werden. Ein typisches Beispiel: Wann haben Sie das letzte Mal ein WIRKLICH lautes, explosives, hartes oder kratzendes Lied gemacht? Alternativ, wenn Sie in einem Speed-Metal oder einem Hardcore-Künstler sind, wann haben Sie zuletzt einen wirklich ausgereiften, chilligen Track gemacht?

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Sie könnten sich sagen: "Ich mache die Art von Musik, die ich mache, und ich bin nicht daran interessiert, etwas anderes zu machen." Betrachten Sie dies als eine Art Übung, ähnlich wie das Spielen von Skalen oder das Erlernen neuer Rhythmen - und ein Mittel, um Ihre musikalischen Muskeln zu spielen. lernen, mit kontrast, innerhalb eines liedes und mit liedern im Ganzen zu spielen.

Bei solchen Techniken ist es wichtig, sich nicht in der Ästhetik zu verfangen - machen Sie sich nicht zu viele Gedanken darüber, wie das Endprodukt klingt oder ob es jemandem gefällt. Dies ist eine Praxis - also nehmen Sie es als solche. Spielen Sie mit extremen Kontrasten in Lautstärke, Textur und Klangfarbe. Komponieren Sie einen Song, bei dem jeder Track starke Verzerrungen verwendet. Alternativ können Sie einen Track zusammenstellen, bei dem jeder Sound einen weichen und weichen Anschlag hat. Versuchen Sie dann, diese beiden Elemente im selben Song nebeneinander zu stellen.

Eines meiner Lieblingsbeispiele dieser Technik wird von Peter Gabriel in seinem Song "Darkness" aus dem "Up" -Album großartig eingesetzt. Beachten Sie, wie dramatisch die Verschiebung vom Intro zum Vers ist - weiches, gedämpftes Arpeggio, gefolgt von einer harten verzerrten Gitarre. Diese Technik wiederholt sich im Gegensatz von Vers zu Chor und Brücke.

Stille und Bewegung

Bäume werden zwar im Allgemeinen nicht als "mobile" Sache angesehen, sind aber selten noch still. Es besteht ein inhärenter Kontrast zwischen der sich abzeichnenden Festigkeit eines Baumstamms und dem subtilen Schwanken der Gliedmaßen, Äste und Blätter.

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Als Komponisten ist die Kraft der Dynamik einer der mächtigsten Verbündeten, die die Emotionen in unseren Zuhörern beeinflussen. Auf der Oberflächenebene kann sich die Dynamik einfach auf die scheinbare Lautstärke oder Weichheit eines bestimmten Musikelements beziehen. Im Allgemeinen bezieht sich die Dynamik jedoch auf die inhärente Stille oder Bewegung innerhalb eines gegebenen Stücks. Dies umfasst nicht nur Volumenänderungen, sondern auch Tempo, Attack, Sustain und die Änderungen eines bestimmten Elements im Laufe der Zeit.

Es gibt eine Vielzahl von Möglichkeiten, wie wir mit Bewegung und Stille in einem Song spielen können, aber hier sind einige Vorschläge:

Automatisierung - Experimentieren Sie mit der Automatisierung von Panning-, Volume-, EQ- und Effektparametern über einen längeren Zeitraum.
Statisch erstellen - Experimentieren Sie mit der Erstellung statischer Spuren - Spuren, die sich über längere Zeit hinweg wiederholen. Diese stehen im Gegensatz zu den anderen Spuren, die sich möglicherweise ändern.
Sei wie die Bäume - Okay, ich könnte mir keinen besseren Weg vorstellen, um das zu beschreiben, aber die Idee hier ist, dass Sie eine relativ einfache, subtile "Basis" für Ihren Song haben. Anschließend erstellen Sie eine Reihe von Spuren für "Ast, Extremitäten und Blätter", die sich um diese Basisspur bewegen und flattern.

Ein hervorragendes Beispiel für diese Technik ist Steve Roachs 'Fossil and Fern' zu entnehmen..

Erwartung trotzen

Einige Musikstile gedeihen beim Einrichten und Verwirklichen der musikalischen Erwartungen. House- und Trance-Musik ist beispielsweise besonders effektiv in Clubs und Raves, da sie musikalische Aufbauten und Pannen zum Zuhörer telegraphieren. Auf diese Weise hat der Hörer eine gewisse Erwartung und sie wird belohnt, wenn diese Erwartung eintritt, wodurch eine Art "gemeinsames Erlebnis" entsteht, wenn ihr Tanzen zur Musik passt.

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Manchmal ist es jedoch genauso mächtig, die Erwartungen in unserer Musik zu stören, da dies dazu führen kann, dass der Hörer aufsteht und aufmerksam wird. Hier sind ein paar Möglichkeiten, wie Sie die Erwartungen in Ihrer Musik herausfordern können.

Formular ändern - Experimentieren Sie, wie oben erwähnt, mit Versen, Refrains oder Brücken, an denen Sie sie nicht unbedingt erwarten.
Akkorde ändern - Setzen Sie Akkorde sorgfältig ein, um die normalen Kadenzen zu unterbrechen, um Spannung zu erzeugen und zu lösen. Hier ist ein großartiges Tutorial über Kadenzen.
Instrumente austauschen - Wenn Sie eine bestimmte melodische oder harmonische Linie haben, sollten Sie die Instrumentierung für diese Linie in einem Teil Ihres Songs ersetzen. Wenn Ihre Gitarre während des ersten Verses beispielsweise einen Harmonie- oder Rhythmus-Part hat, übergeben Sie diesen Part während des zweiten Verses an ein Klavier.
Gib ihnen nicht, was sie wollen (zumindest noch nicht) - Wenn Sie elektronische Musik erstellen und Auf- und Abbauarbeiten durchführen, sollten Sie sie auf das Doppelte ihrer normalen Länge ausdehnen. Alternativ können Sie nach einer Panne keinen Aufbau aufbauen - gehen Sie einfach zurück zum gesamten Mix usw.

Fazit

Diese Techniken sollten in erster Linie als „Übungen“ betrachtet werden. Betrachten Sie sie als Gewichtheben oder Calisthenics für Ihre Musik. Das Endergebnis dieser Übungen ist nicht unbedingt die beste musikalische Wahl für Ihre endgültigen Kompositionen. Wenn Sie sich jedoch mit diesen Techniken auskennen und sie selektiv einsetzen, um die unendlichen Möglichkeiten zu begrenzen, mit denen Sie als Komponist konfrontiert sind, können Sie nur bei der Suche nach großartiger Musik helfen.

Ich hoffe, dass dieses Tutorial hilfreich war und dass Sie einige dieser Ideen aufgreifen und in Ihrer eigenen Arbeit verwenden werden. Wenn ja, würde ich gerne wissen, wie sie für Sie gearbeitet haben - bitte lassen Sie es mich in den Kommentaren wissen!

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